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정선영 연출가를 처음 만난 곳은 지난 9월 서울문화재단에서 운영하는 도심권 예술교육센터인 '서울문화예술교육센터 용산'이었다. 문학과 음악에 특화된 예술교육을 시행하는 곳인데, 올해 처음으로 선보인 시민 대상 예술교육사업인 '서울시민예술학교'의 마스터과정에서 그의 강의를 들을 기회가 있었다.

순수예술을 집중적으로 파헤치는 마스터과정이 올해 픽(pick)한 장르는 '오페라'였다. 재단은 9월 초부터 14주에 걸쳐 다양한 전문가들을 강사로 섭외했는데, 정 씨는 두 번째 세션('오페라는 어떻게 만들어질까')을 맡았다. 여기에서 필자는 그의 수업을 통해 평소에도 얼마나 오페라의 역할을 고민해왔는지 엿볼 수 있었다.

우리 것이 아니라 서양의 유산이기 때문에 다가서기 힘들다. 현대적 요소가 배제된 고전의 취향을 동시대 일반인이 마음으로 이해한다는 것은 더욱 쉽지 않을 테다. 게다가 이 복합예술의 전개방식은 다층적이다. 무대와 객석 사이의 피트에서 연주하는 오케스트라와 합을 맞춰 무대 위에선 수십 명의 가수들이 저마다 음역대에 따라 노래를 한다. 대부분의 대사는 원어로 이루어졌는데 일반 관객은 배우의 동작만 보고 인물의 감정과 극의 흐름을 추측해야 하는 고난도의 영역에 혼쭐이 나기도 한다.

이처럼 오페라는 가장 난이도가 높은 종합예술이다. 또한 뮤지컬과 다르게 대사는 오페라가 전성기였던 오래전 유럽 각국의 언어로 불리기 때문에 마니아층이 아니면 노랫말의 의미를 대번에 이해하는 것이 거의 불가능이지 않을까. 이렇듯 순수예술을 향유의 만렙인 오페라는 소수 귀족 관람객을 위한 성지예술로 남는다는 아쉬움이 늘 뒤따른다.

정씨는 이런 오페라의 태생적 한계에 아쉬움을 품고 있었던 것일까. 서울시민예술학교 마스터과정을 통해 그는 오페라의 본질과 대중화에 책임의식을 통감하고 있는 것으로 보였다. 강의에서 오페라가 제작되는 과정도 인상적이었지만, 일반 관객들에게 어떻게 하면 어려운 오페라를 쉽게 접근시킬 수 있는지 노하우에 감동을 더 받았다. 결국 그는 지난 2010년에 '공연예술창작소 예술은감자다'라는 단체를 설립한 근본적인 배경도 여기에 있다고 각종 인터뷰에서 여러 차례 밝힌 바 있었다.

정씨가 설립한 단체는 "서양 음악극(오페라)을 누구나 쉽게 이해하는 이야기로 재창조해 관객과의 거리를 좁히는 것이 목표"라고 강조했다. 특히 우리나라와 다른 문화권의 작품이나 시대적으로 거리감이 있는 전통음악극(오페라, 판소리 등)을 현대인이 누구나 이해할 수 있는 우리 이야기로 재창조하는 역할에 집중해왔다. 여기에는 그의 일관된 고집이 보이는데, 기존 오페라 원작을 보존하면서 전통 방식인 마당놀이에 접목하거나, 관객이 극의 흐름을 한눈에 파악할 수 있도록 자막을 극 안으로 끌어들이는 시도를 멈추지 않았다는 점이다.

2024년 마지막을 장식한 한국판 오페라

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지난 27일 서울 아르코예술극장 대극장에서 진행된 오페라 <양촌리 러브 스캔들>의 공연 현장에선 모두를 놀라게 한 점이 여럿 있었다. "평소에 오페라에 관심 있는 사람이 이렇게 많았다고?" 이처럼 오페라에 대한 선입견으로 가득 찼던 대부분의 눈을 의심할 정도로 이날은 빈자리를 찾아보기 힘들었다. 남녀노소를 가리지 않고 공연장을 찾은 이들에겐 오페라에 대한 거부감도, 클래식에 대한 권위의식은 찾아볼 수 없었다.

여기에 상상의 나래를 절묘하게 비껴간 두 번째 장면이 있었다. <양촌리 러브 스캔들>이 서양의 고전 클래식으로 중무장된 오페라인데, 객석에 들어서자 자태를 드러낸 배경은 1970~1980년대의 여느 농촌마을과 다를 바 없었다.

시골집 허름한 담장에 늘어선 각종 꽃들, 우두커니 앉아 있는 한 마리 강아지, 마을을 굳건하게 지키는 당산나무 한 그루, 동네주민이면 누구라도 쉴 수 있는 평상이 무대의 중앙을 채웠다. 배산임수의 전형적인 농촌풍경이 백월로 세워졌고, 무대의 중앙 상단으로는 하얀색 뭉게구름이 천장에서 내려오는 비주얼로 공간이 채워졌다. 그렇다. 이곳은 한국인이라면 모르는 사람이 없는 '전원일기'의 본거지, 양천리가 배경이다.

하지만 이번 오페라의 원작이 무엇인가. 1832년에 이탈리아 밀라노의 카노비아나 극장에서 초연된 가에타노 도니제티(1797~1848)의 대표작 중 하나로 손꼽히는 '사랑의 묘약'(L'elisir d'amore)이다. 도니제티는 19세기 이탈리아 오페라 역사에서 빼놓을 수 없는 인물로, 유럽 낭만주의 오페라의 대표작인 '사랑의 묘약'이 양촌리로 고스란히 옮겨와 한국적 색채를 입혀 대중에게 공개된 것이다.

이번 공연을 앞두고 제작사에서 배포한 홍보물에는 "막걸리 잔에 마시는 에스프레소 커피"라는 카피 문구를 넣음으로써 여러모로 서양음악의 전속물에 대한 경계의식을 허무는 데 온 힘을 쏟아부었다.

<양촌리 러브 스캔들>이라는 작품에 대한 발자취를 간략하게 살펴볼 필요가 있다. 지난 2015년에 서울 예술의전당 자유소극장에서 첫 선을 보인 이후 평단의 호응을 등에 업고 이듬해에는 의정부음악극축제에 공식 초청되기도 했다. 이후 2018년에는 성동문화재단의 후원을 받아 한양대학교 학생들이 참여하는 <왕십리 러브 스캔들>로 지역화에 안착하기도 했다. 이번 2024년에 아르코예술극장 대극장에서 선보이는 연말 공연을 마친 후에는 예술경영지원센터의 도움을 받아 2025년 11월에는 구리아트홀에서 재공연을 앞두고 있다.

10년 전, 초연 이후 무대에 올릴 때마다 전석매진의 신화를 이룬 비결에 주목하지 않을 수 없다. 무엇보다 필자는 수많은 요소들을 진두지휘한 정선영 연출가의 뚝심과 기획력에 상당한 비중이 있다고 자신한다.

공연이 끝난 이후 어느 관객이 "서울 예술의전당에서 다양한 오페라 공연을 즐겨봤지만 대부분은 지겹다고 생각했다. 그런데 이번 공연은 한순간도 웃음이 빠질 수 없을 정도로 시간 가는 줄 몰랐다"고 말할 정도로 재미적 요소가 곳곳에 배어 나오는 것도 한몫했다. 이렇게 작품이 여느 오페라와 다르게 일반 관객들의 마음을 얻고 있는 포인트를 중심으로 <양촌리 러브 스캔들>을 되짚어 보려한다.

오페라의 대중화를 위하여 노력한 흔적들

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첫째, 한국적 색깔로 관객의 공감대를 이끈다. 이번 작품에서 가장 주목할 부분은 공간의 재해석이다. 우리는 티켓을 사서 도니제티의 '사랑의 묘약'을 감상하러 왔지만, 막상 무대 위에 차려진 밥상은 과거 우리의 농촌마을이었다.

이렇듯 모든 이의 예상을 깨고 19세기 초 이탈리아 시골 마을에서 전개되는 러브스토리에 대한 고정관념을 깨고 공간적 배경을 한국으로 옮겨온 정씨의 시도에 주목하고 싶다. 만약 당신이 <양촌리 러브 스캔들>을 보러 왔다면, 낯선 서양문물에 대한 몰입도를 높이기 위해서 별도의 예열장치가 필요 없을 정도로 우리의 정서에 최적화됨은 다행스럽게 생각된다.

여기에 원작 '사랑의 묘약'에서 전개되는 주인공의 이름을 발음하기 어려운 점을 충분히 배려했다. 가령, '네모리노(Nemorino)', '아디나(Adina)', '둘까마라(Dulcamara)', '벨코레(Belcore)' 등이 그런데, 정씨는 한국 관객들을 배려하여 주인공의 이름을 N군, A양, D씨, B중사 등 알파벳의 첫 자를 따서 번안해 부르는 친절함을 베풀었다.

둘째, 개성 있는 캐릭터가 펼치는 앙상블의 열연이 눈에 띈다. 동네사람들로 참여한 16명의 앙상블 단원들은 전원일기에서 봤던 추억의 배역들이 연상된다. 특히 당시에 독보적인 캐릭터로 이름이 날렸던 일용엄니를 떠올리는 할머니에는 '일녀'가 감초역할을 했을 뿐 아니라 방실, 영미이모 등 다양한 배역들이 대극장을 채워 보는 이들의 혼을 빼놓았다.

물론 극의 흐름에서 중심을 잡은 4명이 큰 역할을 한 것은 부인할 수 없는 사실이지만 그동안 간과돼 왔던 조연들에 대한 극중 배려가 돋보였다. 동네사람들로 모인 16명은 모두가 캐릭터성이 차고 넘치는 등장 인물들로 세세하게 구성해 관객은 예상했던 것보다 더 많은 부분에서 웃음포인트를 전달할 수 있었었다.

실제로 첫날 공연을 마치고 마련된 '관객과의 대화'에 참여한 어느 초등학생은 "(앙상블로 나온) 동네사람들은 코믹스러운 춤을 어떻게 연습했나요?"라고 물을 정도로 조연의 동작에 마음을 빼앗겼다. 이렇듯 정 연출가는 각기 다른 관객층의 관람 취향을 놓치지 않고 모두를 저격하는 세심한 연출이 눈에 띄었다.

셋째, 이태리 원어가 한국어로 들리는 놀라운 마법이 펼쳐진다. 오페라 감상에 가장 큰 장벽인 '언어의 전달'에 혁신적인 방법을 제공했다. 정씨는 고전 서양음악의 원어 자막을 무대장치의 일환으로 배치하는 기법을 시도했다.

과감한 도전은 이미 전작부터 꾸준히 시도해 왔는데, 그것은 평소에도 어려운 오페라를 관객에게 친숙하게 접근시키려는 여러 방법들 중에서 가장 효과적이라 고백했다. 그래서 이번 작품에서도 무대 중앙의 뭉게구름 백판을 활용해 우리 입말에 맞게 이태리어를 번안한 자막을 띄웠다. 객석에서 바라보는 모습은 자막이 씐 뭉게구름이 마치 배우들의 말풍선을 보는 듯한 착각을 불러일으키게 만들었다.

이것은 무대장치와 자막을 혼연일체시켜 스크린에 대한 괴리감을 자연스럽게 소멸시켰다. 우리가 통상적으로 오페라를 감상할 때 무대 구석에 설치된 검은 스크린을 통해 보기 마련인데, 때로는 이것이 오히려 작품을 이해하는데 방해된다고 느낄 때가 있었다. 어쩌면 그것 때문에 장면에 집중하기 어렵다는 단점을 자연스럽게 해소할 수 있는 파격적인 묘책으로 보인다. 이런 연출 기법을 통해 관객은 음악과 극의 내용을 뮤지컬처럼 이해할 수 있으며, 빠른 대사 전달이 배우들의 감정처리를 즉각적으로 소화할 수 있다는 장점으로 오페라의 수용성을 높이는 셈이다.

마지막 퍼즐을 채우기 위한 바람들

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2024년 들어서 오페라에 대한 관심이 날로 높아지고 있는 것은 사실이다. 몇 달 전에 세종문화회관에서 일어났던 해외 유명 오페라 가수의 이슈를 통해서 오페라가 부각된 점도 있겠지만 최근 몇 년 사이에 이렇게 오페라가 관심이 있었던 적이 있었나 되묻고 싶다. 그럼에도 불구하고 아직도 어려운 장르에 속하는 오페라를 우리 안으로 끌어들이려는 정씨의 노력이 서서히 빛을 발휘하는 것이 아닐까라는 생각이 들었다.

공연을 마치고 그는 오페라의 핵심이 "단순히 가사의 의미를 아는 것을 넘어서 그것이 음악화되는 과정을 보여주는 것"이라 강조했다. 이것은 인간의 감정을 음악으로 듣는 과정이라는 소리라며 "기악 등이 인간 감정을 추상적으로 담았다면, 오페라는 구체적인 이야기를 통해 관객에게 공감을 불러일으킨다"라고 설명을 더했다.

정씨는 공연을 연습하면서 배우들의 몰입감을 높이기 위해 그간에 번안했던 자막들을 출연진들에게 공개하지 않았다고 고백했다. 그것은 원어의 해석을 그대로 옮겨오는 것이 중요한 게 아니라 어쩌면 배우들이 각자의 영역에서 자신만의 캐릭터를 구축하기 위한 발판을 마련하려는 연출자의 세심한 배려로 보인다. 그런데 극의 후반부로 갈수록 출연진의 이태리와 한국 이름이 혼용되는 모습을 몇 차례 보였던 점은 아쉬움으로 남는다.

그리고 초연 이후 공연의 대부분을 소극장에서 진행해왔는데, 이번에는 공연된 극장의 규모와 맞지 않는 소규모 편성(피아노, 현악 4중주, 관악기, 타악기)에 아쉬움을 남겼다. 실제로 필자가 앉은 1층 객석의 뒷자리에서는 배경음악의 일부 소리가 비어 들린다는 평이 들릴 정도였다.

그러나 이것은 조정현 지휘자가 객석과의 대화에서 밝혔던 것처럼 "피아노가 음악의 방향성을 지시하기 때문에 일부 악기가 부족한 아쉬움은 다른 연주자들과 음악적인 조율로 메꾸어 나갔다"고 설명했다. 그의 말이 맞는다면 음악에 대한 아쉬움의 원인을 오케스트라의 소규모 편성에 찾기보다는 아르코예술극장 대극장이 퍼포먼스극 중심에 최적화된 곳으로, 정통 클래식에 맞는 잔향시간을 확보하는 여부와 관련이 있어 보이지 않을까 예상한다.